La quatrième édition de Photo London, le salon britannique consacré à la photographie, ferme ses portes le 20 mai 2018. L’évènement, créé pour donner à Londres un événement photographique international, se veut un catalyseur pour la communauté photographique dynamique de Londres. Des grands musées de la capitale, à ses salles de ventes, galeries d’art, petits et grands, aux communautés créatives naissantes de l’East End et du Sud de Londres, Photo London exploite le talent créatif de la ville et réunit les meilleurs photographes, commissaires, exposants, concessionnaires et le public pour célébrer la photographie, le médium de notre temps.

Kozzarte a pu y admirer les oeuvres des grands maîtres de la photographie et de photographes de renom tels que Henri Cartier-Bresson, Alfred Stiglitz, Dennis Hopper ou encore Bruce Gilden. Au détour des allées de la foire, Kozzarte a aussi remarqué le travail des talents qu’elle vous présente ici.

Motohiro Takeda

Alors qu’il étudiait à la Parsons, The New School For Design à New York, Takeda a été fasciné par la camera obscura et l’idée d’être à l’intérieur de celle-ci. Il a transformé sa chambre à coucher en une camera obscura en bloquant toutes les fenêtres avec des feuilles de plastique noir, faisant un trou d’épingle dans le plastique et a commencé à vivre dans cette camera obscura. Comme il y passait de plus en plus de temps, il a commencé à comprendre ce que c’était et ce que cela signifiait pour lui d’être là.

Sa série ‘Another Sun’ est le résultat de la découverte par Takeda d’une inscription accidentelle du soleil sur le papier photographique accroché dans son appartement. Il a réalisé qu’il voulait créer une série autour de la source de la création de ses grands portraits, suivant le cycle des saisons. Cette série reflète les changements dans la nature ainsi que les changements dans la vie personnelle de Takeda.

Ibasho Gallery

© Motohiro Takeda, courtesy of Ibasho Gallery
© Motohiro Takeda, courtesy of Ibasho Gallery
© Berndnaut Smilde, courtesy of Ronchini Gallery

Berndnaut Smilde

L’artiste hollandais Berndnaut Smilde a passé ces dernières années à parcourir le monde pour partager ses installations artistiques uniques à un large éventail de publics. Son travail le plus célèbre à ce jour est sa série Nimbus.

Dans cette série, Berndnaut Smilde mêle l’artistique au scientifique. A l’aide d’une machine à fumée et d’un produit fixateur, ce plasticien fabrique de véritables nuages qui flottent au-dessus du sol pendant quelques instants, avant de disparaître. Ces installations temporaires prennent place dans des architectures telles que musées, galeries, églises, immeubles abandonnés, hôtels ou châteaux. L’artiste interroge la nature même de l’œuvre d’art en portant fréquemment son choix sur des lieux d’expositions. En provoquant des phénomènes naturels dans des intérieurs urbains, cette série engage également une réflexion sur notre rapport à l’environnement.

Ronchini Gallery

Rainer Paananen

Né en 1990 à Tikkakoski, en Finlande. Rainer Paananen vit et travaille à Helsinki.

Sound of Alchemy est le titre choisi pour le dernier recueil de photographies de Rainer Paananen. Il se concentre sur sa fascination pour le son par le claquement des lignes de métal et de laine de ses instruments à cordes, qu’il fabrique lui-même, sur des matériaux sensibles à la lumière. Paananen, lui-même musicien, saisit ces interactions comme un moyen d’enregistrer non seulement un moment précis mais un ensemble de sons disposés visuellement ensemble pour former une composition conceptuelle. Paananen crée ses couleurs en combinant différents matériaux, craie, feu, eau et lumière avec son jeu instrumental. Ces instruments deviennent son pinceau et il cet assortiment de substance dans sa quête pour trouver leur voix photographique.

Influencé par la pièce d’Alvin Lucier, Music on a Long Thin Wire, dans laquelle un fil métallique oscillant crée un drone en constante évolution dans l’espace, Paananen utilise ses instruments les désaccorder tout en les jouant. A travers ses performances, il cherche un état méditatif où le temps s’évanouit. Il réduit essentiellement la musique à sa forme la plus élémentaire, le silence et la couleur.

Gallery Taik Persons

RAINER PAANANEN, COMPOSITION #1, 2018 PIGMENT PRINT, DIASEC, FRAMED 140 X 98 CM, EDITION OF 5 + 2AP © THE ARTIST, COURTESY GALLERY TAIK PERSONS

Serge Najjar

Né en 1973 à Beyrouth, Serge Najjar est avocat et docteur en droit.

L’approche de Serge Najjar de la photographie est intuitive. Elle provient de sa passion pour l’art moderne et contemporain. L’approche graphique de l’avant-garde russe et, en particulier, Alexander Rodchenko, attire l’attention de Najjar dès le début de sa carrière: déchiffrer l’image et sa construction viendra guider la structure de ses futures entreprises. Les photographies de Serge Najjar placent le spectateur dans un monde où réalité et fantaisie se rencontrent. Elles capturent le passage du temps, ou un espace où la disposition transitoire de l’homme habiterait des constructions radicales idéales. Variations immobiles sur un thème, les photographies engagent un dialogue, se complètent ou non, mais créent toujours un espace singulier habité par le spectateur dans l’espace où elles sont présentées.

Qu’il s’agisse de photographies en couleur ou en noir et blanc, l’ensemble des images de Najjar forme une somme cohérente qui émerge instantanément, sans médiation, comme une danse entre aplatissement et profondeur. Prudent, calme, sans cris, le photographe joue avec des éléments qui sont facilement disponibles. Les ombres deviennent des sculptures géométriques; les formes tridimensionnelles se transforment en plans. Les perspectives s’inclinent, l’image est construite, la réalité est découpée, traversée et reconstruite par les lignes qui nous entourent.

Galerie Tanit

The Architecture of Light © Serge Najjar
Yellow Block © Serge Najjar
© Erik Madigan Heck, courtesy of Christophe Guye Galerie

Erik Madigan Heck

Erik Madigan Heck, né en 1983, est l’un des photographes de mode américains les plus jeunes et les plus prometteurs de la scène artistique contemporaine. Dans sa carrière relativement courte, l’artiste a développé une vision personnelle de la mode, comme le souligne Nathalie Herschdorfer dans son essai « Minimal and pure: Erik Madigan Heck photographies de mode ». Son travail se caractérise par un traitement clair et distinctif des couleurs et des motifs, ce qui le rend sans équivoque.

Dans une carrière relativement courte, Erik Madigan Heck a développé une manière très personnelle de regarder la mode. Un coup d’œil sur son livre, Old Future – publié cette année par Thames & Hudson – révèle un traitement clair et distinctif des couleurs et des motifs qui forment sa signature. La série reproduite a été publiée en avril 2017 dans le New York Times Magazine. L’idée de Heck était de produire un portfolio de mode pour Comme des Garçons pour accompagner le lancement de la récente exposition de Rei Kawakubo au Metropolitan Museum of Art, dans un magazine qui exclurait normalement les pages de mode. Ceci est un exemple de l’approche unique de Heck: travailler avec un magazine qui ne traite pas de la mode et se concentrer sur le travail de Kawakubo – un designer qui s’efforce d’aller au-delà de la mode et d’exprimer des «images abstraites».

Christophe Guye Gallery

Clarissa Bonet

Clarissa Bonet vit et travaille à Chicago. Son travail explore des aspects de l’espace urbain dans un contexte physique et psychologique. Intéressée par l’espace physique de la ville et son impact émotionnel et psychologique sur le corps, elle utilise la caméra pour transformer l’espace physique en un espace psychologique, fournissant une interprétation personnelle du paysage urbain.

Sa série Stray Light est un projet photographique en cours visant à l’imagerie du paysage urbain nocturne. « Nous avons presque perdu la nuit pour nos progrès. À sa place, nous avons formé un nouveau cosmos, l’un des surfaces disparues et des taches de lumière. En construisant soigneusement chaque image à partir de plusieurs photographies, je réforme le paysage urbain dans ma propre vision – celle qui cherche à reconstruire le ciel en son absence au-dessus du paysage urbain. La lumière émanant de chaque fenêtre fait référence à un monde inconnu, évoquant un sentiment de mystère et de crainte. Nous ne regardons plus le ciel de la nuit avec crainte. Au lieu de cela, c’est ainsi que nous regardons la ville ».

Catherine Edelman Gallery

©️Clarissa Bonet / image courtesy Catherine Edelman Gallery, Chicago (booth G15)
©Carolle Benitah, Déjeuner Mont Blanc II,2018

Carolle Bénitah

Carolle Bénitah est née en 1965 à Casablanca. Elle vit et travaille à Marseille. Elle a travaillé pendant dix ans en tant que styliste avant de se tourner vers la photographie en 2001. Elle explore la mémoire, la famille et le passage du temps. Jumelant souvent d’anciens clichés familiaux avec des accents faits à la main, tels que des broderies, des perles et des dessins à l’encre, Bénitah cherche à réinterpréter sa propre histoire en tant que fille, épouse et mère.

« Jamais je ne t’oublierai » est un travail sur le souvenir familial – de souvenirs heureux, parfois imaginés et négatifs. « J’ai réalisé qu’il y avait très peu d’images de mes parents avant leur mariage. C’est un désert de l’image qui ne peut s’expliquer que par le fait que mes parents sont nés au Maroc des années 1930, une époque sans beaucoup de commodités modernes. Le manque d’images m’a fait me sentir orphelin et sans racines. J’ai commencé à acheter des photographies anonymes sur les marchés aux puces et les collectionne depuis. Je les utilise pour construire un album de famille imaginaire qui répare l’oubli. Je reconstitue le souvenir manquant de ma famille en inventant et en adaptant à partir des images retrouvées ce qui a disparu, les gens comme les lieux. J’applique une feuille d’or sur la photo. En couvrant des parties de l’image, et plus précisément les visages de ces «fantômes», je permets de se projeter. L’or, ce matériau de fantaisie et de cupidité, est un métal inoxydable. Contrairement à un trou noir qui absorbe toute la matière, la surface plate et dorée est un univers onirique qui rejette la matière. L’or fonctionne simultanément comme un trou de mémoire et comme une surface brillante dans laquelle nos visages sont réfléchis ».

Bild Halle

Benefits Supervisor Sleeping © Charlotte Colbert

Charlotte Colbert

Charlotte Colbert, née en 1984, est une artiste et cinéaste franco-britannique qui vit et travaille à Londres. Elle est surtout connue pour ses images surréalistes et sombres. Son travail a été comparé à l’œuvre surréaliste de Toomer, Breton et Dali (Phaeton), décrite comme «surréaliste et délicate» et «une passerelle vers les rêves» (Huffington Post), une «exploration de l’esprit humain» (Vogue) et comme « existant dans cet espace des rêves et des cauchemars » (Las Ultimas Notices).

Le travail artistique de Colbert est fortement ancré dans le langage du film et de la narration. Ses images sont principalement conçues comme une série, une séquence développée en format script avant d’être filmée. Plus récemment, elle a développé des sculptures de cortène en métal à grande échelle présentant une image en mouvement. Son travail a de fortes nuances philosophiques et joue souvent sur des questions de temps, d’espace et d’identité. « Richement évocatrice et cinématographique, son travail en noir et blanc plonge dans les expériences intérieures de l’esprit.

Elle explore les espaces intérieurs et extérieurs que nos esprits occupent et transforment, soit par la peur, soit par la fantaisie. Les sujets de l’isolement, du moi et du genre sont aussi le moteur de son imagination.  »

Gazelli Art House

Masao Yamamoto

Masao Yamamoto est né en 1957 à Gamagori City dans la préfecture d’Aichi au Japon. Il a commencé ses études d’art en tant que peintre, étudiant la peinture à l’huile sous Goro Saito dans sa ville natale.

Dans ses délicates photographies en noir et blanc, Yamamoto cherche à capturer les détails harmonieux de la vie que la plupart d’entre nous manquons. Il s’inspire de la philosophie japonaise du zen et de la conviction que la méditation et la recherche de la beauté jouent un rôle essentiel dans le développement des êtres humains.

Il s’est initialement fait connaître pour ses installations en plusieurs parties composées d’imprimés tachés de thé, déchirés et froissés qui, par leur évocation de l’Antiquité, encouragent la réflexion sur la mémoire et le passage du temps.

Plus récemment, le peintre est devenu photographe et a présenté de plus grands, mais toujours subtils, tirages mono-cadrés de scènes de nature japonaise dépeuplées, comme dans les séries « Kawa = Flow » et « Shizuka = ​​Cleanse ». Yamamoto explique au sujet de son travail qu’il ressent « la présence de nombreux ‘trésors’ respirant tranquillement dans la nature, » qu’il essaie de capturer « à la fois avec mes yeux et mon appareil photo. » Il nomme la présence « Shizuka », qui signifie nettoyé, pur, clair et sans tache.

Masao Yamamoto brouille la frontière entre peinture et photographie en expérimentant les surfaces d’impression. Ses sujets incluent des natures mortes, des nus et des paysages. L’installation de ses petites photographies est également un art tendant à montrer comment chaque impression fait partie d’une plus grande réalité.

© Masao Yamamoto
© Masao Yamamoto
© Masao Yamamoto