Durant la foire Art Basel, de nombreux autres événements ont lieu, réunissant tous les acteurs du monde de l’art. Unlimited est donc un secteur d’Art Basel, où chaque galerie internationale présente une oeuvre d’un artiste de renom. Elle est organisée cette année encore par  Gianni Jetzer, le directeur artistique du Hirschhorn Museum and Sculpture Garden et présente 71 projets.

Kozzarte y était et vous présente sa sélection.

Yoko Ono
Yoko Ono, Mend Piece (Version de la Galerie Lelong), 1966 / 2018 Céramique, colle, ruban adhésif, ciseaux et ficelle Dimensions variables © Yoko Ono Courtesy Galerie Lelong & Co., New York

Yoko Ono est une artiste multimédia travaillant avec la performance, le cinéma, l’installation, la musique et l’écriture. Elle est née à Tokyo au Japon en 1933, et elle  vit et travaille à New York. Précurseuse de l’art conceptuel, cherchant toujours la collaboration, la participation du public, et l’activisme social depuis le début des années 1960, Ono conteste la compréhension de l’art et du monde qui l’entoure. Son influence couvre beaucoup des mouvements artistiques de la fin du 20ème siècle, y compris Fluxus, l’art conceptuel, l’art vidéo, et l’art féministe. En plus de son travail en tant qu’artiste visuelle, Ono est une pionnière musicale, à la fois une chanteuse et auteure-compositeure accomplie.

Galerie Lelong & Co. a présenté le travail d’Ono dans trois expositions monographiques participatives en 2008, 2011 et 2015. D’importantes expositions personnelles du travail d’Ono ont également été présentées au Musée Gardiner, Canada; Musée de Reykjavik, Islande; Fondation Faurschou, Chine; Musée d’art contemporain, Japon; et le Musée d’Art Moderne de New York. En 2016, des rétrospectives ont eu lieu au Musée d’Art Contemporain de Lyon en France et au Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires en Argentine. Ono a reçu de nombreux prix tout au long de sa carrière, y compris le prix Golden Lion pour l’ensemble des réalisations (2009), le 8ème Hiroshima Art Prize (2011), et le prix Oscar Kokoschka (2012).

La participation et la collaboration des spectateurs ont été et restent au cœur des principes de la pratique de Yoko Ono. En invitant le spectateur à participer activement au travail, le public aide à créer du sens dans chaque œuvre. Mend Piece, une installation qui a été montrée dans un certain nombre de rétrospectives d’Ono, est une de ses premières de ses oeuvres participatives, créée en 1966. L’oeuvre est composée de fragments de tasses cassées placées sur une table pour le public à réparer avec du ruban adhésif, de la ficelle, de la colle ou d’autres matériaux. Après la réparation, le spectateur place la tasse sur des étagères dans une pièce entièrement blanche. La métaphore de la réparation et de la guérison est aussi présente. Dans les mots d’Ono: « Lorsque vous réparez la coupe, la réparation qui est nécessaire ailleurs dans l’univers est également effectuée. Soyez conscient de ce que vous réparez ».

Galerie Lelong & Co, New York à Art Basel Unlimited

Robert Longo
Robert Longo, Death Star II, 2017-2018. Sphère en fonte d'aluminium avec 40.000 calottes en métal .301, cal. 30, Armatures en acier, 1800 kg. Ø 198,1 cm (Ø 78 po).

Robert Longo est né en 1953 à Brooklyn, New York, où il vit et travaille. La force narrative épique de Longo vient de sa transformation de la pratique intime du dessin dans l’échelle monumentale de la peinture, élevant le médium à une échelle jamais vue auparavant. Comme un ancien maître, il atteint une large gamme émotionnelle grâce à son utilisation du clair-obscur, exploitant la lumière et l’obscurité comme matière première. Connu pour sa capacité profonde à décrire des états psychologiques complexes, son travail établit un équilibre entre le très personnel et le social, reflétant le monde dans lequel nous vivons aujourd’hui. Bien que d’après photo, ses travaux sont conceptuels dans la conception et fortement abstraits après une inspection minutieuse. Il y a souvent un courant politique sous-jacent dans son choix d’images. Ses œuvres sont des images construites avec une présence physique emphatique, certainement une exploration du pouvoir et de ses fonctionnements implicites à travers tous les niveaux de vie et d’expérience. Longo est peut-être mieux connu pour sa série « Men in the Cities » du début des années 1980. Mais au cours de la dernière décennie, il a développé plusieurs autres corps de travaux distincts, y compris: Monsters, des vagues sur le point de se casser; The Sickness of Reason, des nuages ​​atomiques s’élevant dans le ciel; Ophelia, une mystérieuse rose rouge en pleine floraison. Longo explique: « les roses et les bombes et les vagues sont des choses qui existent au moment de leur être: une bombe est destinée à exploser, une rose est née pour fleurir, une vague est destinée à s’écraser. Ils sont au moment de leur accomplissement.  »

Créé en réponse à la prolifération exponentielle des fusillades de masse aux États-Unis, Death Star II de Robert Longo se compose d’un globe suspendu parsemé de 40 000 balles en cuivre et en bronze. L’œuvre est la suite de la sculpture originale de Longo, Death Star, datant de 1993, mais plus de deux fois plus grosse et contenant plus du double du nombre de balles, reflétant l’augmentation effrayante des fusillades de masse aux États-Unis ces 25 dernières années. Denses sur toute la sphère, les balles luisantes représentent les éléments physiques et matériels qui agissent sur cette violence troublante – tragiquement de plus en plus omniprésente. Cette surface agressive et provocante, combinée à l’immense masse de la sculpture et à sa présence planétaire, crée une confrontation inévitable avec les spectateurs. Longo donne aux abstractions statistiques une forme matérielle brutale, reflétant la peur et la terreur qui continuent d’envelopper notre société et forçant les spectateurs à considérer les causes sous-jacentes de ce tournant des événements. Afin de soutenir les efforts visant à réduire la violence armée, 20% des profits de la vente de Death Star II seront reversés à Everytown for Gun Safety.

Metro Pictures, New York à Art Basel Unlimited

Lygia Pape
Lygia Pape, Ttéia 1, B, 2000 / 2018. Vue d'installation, Illimité, Art Basel, Bâle, 2018. © Lygia Pape. Photo: Paula Pape

Lygia Pape (1927 – 2004) était une artiste brésiliene, des les mouvements concrets et néo-concrets dans le monde de l’art brésilien. Initialement inspirée par l’abstraction géométrique formelle de l’art concret, qui est arrivé au Brésil en 1951, elle a commencé par faire des constructions géométriques. Cependant, elle commença à se lasser de la sévérité de cette forme d’art prescriptive, et devint membre fondateur du mouvement Neo-Concrete en 1959, qui était dédié à l’inclusion de l’art dans la vie quotidienne. Avec ses collègues Lygia Clark et Hélio Oiticica, Pape «visait à rompre avec les catégories artistiques et à incorporer dans l’art abstrait de nouvelles formules verbales et expressives».

De toutes les œuvres de Pape, les plus emblématiques, celles qui synthétisent le mieux son processus artistique, sont ses Ttéias, dont la première a été conçue en 1979. Les Ttéias sont construites par l’installation géométrique de fils d’argent ou d’or dans un espace, du sol au plafond ou à l’angle d’une pièce. Ils délimitent les volumes et réalisent des effets visuellement puissants et magiques, chargeant l’espace d’un sens de l’indéfinissable, de l’immatériel. Les installations en coin projettent de fortes ombres de lignes sur les murs dans de nombreuses directions, créant des groupes fantômes de lignes qui n’existent pas dans la réalité. Les groupes de fils qui parcourent l’espace sont également décalés, et certains en croisent d’autres, se faufilant littéralement dans l’air. D’autres groupes de fils, par l’effet de l’éclairage et des astuces de perspective, semblent simplement se croiser: les installations mêlent le réel et l’imaginaire, laissant le spectateur découvrir le travail par l’interaction et l’inspection. Le mot «Ttéia», que Pape a créé, est une élision du mot portugais pour «toile» et «teteia», un mot familier pour désigner une personne ou une chose gracieuse et délicate.

Ttéia 1, B (2000/2018), montée pour la première fois chez Unlimited, est un exemple remarquable de la série. L’oeuvre est en coin de pièce, avec neuf groupes de fils d’or qui coulent d’un mur à l’autre, de forme tubulaire. Chaque bande scintillante de lumière dorée projette deux ombres le long des murs vers le sol, créant ainsi l’effet optique qu’il y a, au lieu de neuf, un total de vingt-sept bandes de fils se chargeant au coin de la pièce. Avec neuf groupes de fils et couvrant un grand plan d’étage, le travail est le deuxième plus grand Ttéia en coin Ttéia que Pape a créé, et capture parfaitement la nature éphémère de la pratique de Pape.

Hauser & Wirth, Zurich à Art Basel Unlimited

Alfredo Jaar
Alfredo Jaar A Hundred Times Nguyen, 1994 Vingt-quatre épreuves pigmentaires, encre et collage sur panneau, impression matricielle, vidéo Tirages pigmentaires, 25 x 54 pouces (63,5 x 137 cm) chacun Vidéo: boucle, pas de son, moniteur 60 " Dimensions variables Édition de 3 + 2 AP © Alfredo Jaar Courtesy Galerie Lelong & Co., New York

Alfredo Jaar est un artiste, architecte et cinéaste, qui vit et travaille à New York, né à Santiago du Chili. Depuis plus de 30 ans, Jaar utilise des photographies, des films, des installations et de nouveaux médias pour créer des œuvres fascinantes qui examinent des questions sociopolitiques complexes et les limites et l’éthique de la représentation. En utilisant une forme d’art hybride, Jaar a constamment provoqué, interrogé et recherché des moyens d’éveiller notre conscience sur des problèmes souvent oubliés dans la sphère internationale, tout en ne renonçant pas au pouvoir formel et esthétique de l’art. Au cours de sa carrière, Jaar a exploré des questions politiques et sociales importantes, y compris le génocide, le déplacement des réfugiés à travers les frontières et l’équilibre des forces entre les pays en développement et les pays industrialisés.
Jaar a réalisé plus de soixante interventions publiques dans le monde entier. Plus de cinquante publications monographiques ont été publiées sur son travail. Il est devenu un Guggenheim Fellow en 1985 et un MacArthur Fellow en 2000.

Pour A Hundred Times Nguyen, l’artiste multidisciplinaire Jaar s’est rendu à Hong Kong en 1991 pour enquêter sur les conditions de vie des demandeurs d’asile vietnamiens incarcérés par les autorités locales. Au cours de la visite, une jeune fille a commencé à suivre Jaar. Il a ensuite pris cinq photographies d’elle, qui lui a dit qu’elle s’appelait Nguyen Thi Thuy. Comme le suggère le titre de l’installation, le travail de Jaar est simplement ces images qu’il a prises du visage curieux et souriant de Nguyen en boucle autour d’une pièce. Pour Jaar, les changements subtils dans l’expression de Nguyen dans la séquence d’images étaient tranquillement captivants. Il a marqué quatre d’entre eux A, B, C et D et a procédé à les réarranger dans toutes les permutations possibles. En créant cette répétition, Jaar a voulu contourner notre tendance naturelle à regarder une image pendant plusieurs secondes puis à passer à autre chose. Au lieu de cela, à travers son installation, le spectateur est confronté directement à Nguyen et reconnaît pleinement sa présence et, par extension, l’humanité.

Goodman Gallery, Johannesburg; Galerie Lelong & Co, New York; kamel mennour, Paris; Galerie Thomas Schulte, Berlin à Art Basel Unlimited

Mikhael Subotzky et Patrick Waterhouse
Mikhael Subotzky et Patrick Waterhouse, Ponte House, 2008-2014 Installation photographique avec archives

Ponte City est une série photographique primée par Subotzky et Waterhouse qui documente l’emblématique bâtiment éponyme situé dans l’ancien quartier central des affaires de Johannesburg. Décrite par Time Magazine comme un haut lieu de l’ère de l’apartheid, Ponte City était à l’origine destinée à devenir un condominium de luxe, mais est tombée en ruine vers la fin de l’apartheid lorsque les gens ont commencé à quitter massivement la ville. Suite à cet exode, dans les années 1990, le bâtiment est devenu un refuge pour les immigrants qui envahissaient le pays à l’époque. En 2007, après des années de négligence, un groupe de promoteurs a expulsé la moitié des locataires et a commencé à vider les appartements. C’est à ce moment que Subotzky et Waterhouse ont commencé à visiter Ponte afin de rencontrer les locataires restants et de photographier la moitié du bloc occupé. Au cours des quelques années qui suivirent, le couple revint régulièrement dans le bâtiment et rassembla des archives de documents et de photographies provenant d’appartements abandonnés, ainsi que des photographies de toutes les portes, fenêtres et téléviseurs du bâtiment.

Les œuvres cinématographiques, vidéo et photographiques de Mikhael Subotzky (né en 1981, Le Cap, Afrique du Sud) s’intéressent aux structures de la narration et de la représentation, ainsi qu’à la relation entre la narration sociale et les contingences formelles de l’image. Subotzky est membre de l’agence photo Magnum dont le travail a été exposé au Palais de Tokyo, à la Yale Art Gallery et auparavant chez Unlimited en 2014. L’œuvre a déjà été exposée à la Photographers ‘Gallery de Londres au International Center of Photography de New York et au Bal à Paris. Subotzky et l’artiste britannique Patrick Waterhouse se sont rencontrés pendant leur résidence en Italie. Ils ont commencé à collaborer à la mi-2008 sur leur série de Ponte City.

Goodman Gallery, Johannesburg à Art Basel Unlimited

Lara Favaretto

Lara Favaretto est née en 1973 à Trévise, Italie, et vit et travaille à Turin, Italie. Elle a étudié à l’Académie des beaux-arts de Brera à Milan et a obtenu une bourse d’études à l’Université de Kingston, Londres.

Ses cubes de confettis ont une apparence instable, incarnant un sentiment d’éphémère, marqué par l’écoulement du temps. Et pourtant, on y trouve à la fois antagonisme et contradiction. La masse de confettis en papier est comprimée à l’intérieur d’un boîtier en bois uniquement par le poids et l’action du corps humain. Sa solidité est constam ment minée par une désintégration inévitable et pourtant imprévisible. La pureté initiale et la compacité de la forme et de la couleur de ces cubes sont rendues vulnérables par l’extrême légèreté et la nature volatile du matériau dont ils sont faits. Tout ce qu’il faut, c’est une bouffée d’air pour disperser les minuscules fragments colorés, et les cubes se transforment peu à peu en un effondrement probable – et en une ruine précoce. Ils ne retrouvent leur forme initiale que lorsqu’ils sont à nouveau compressés, partant de zéro. La nature polyphonique de l’œuvre souligne les caractéristiques des cubes individuels, et le choix des couleurs s’inspire d’un cadre du film comique Birdman (2014), sur un acteur de super-héros vieillissant qui veut être pris au sérieux. L’objectif est de transmettre le pouvoir cathartique et transformateur qui peut être suggéré par une gamme de sons séparés et déconstruits sans avoir besoin d’une autre forme de récit.

Galleria Franco Noero, Turin à Art Basel Unlimited