ARTICLE16/06/2018

Art Basel, l’incontournable foire d’art contemporain, ferme tout juste ses portes. L’évènement, point de rencontre entre collectionneurs, galeries et artistes, est un moteur pour soutenir le rôle que jouent les galeries dans le développement des carrières des artistes.

Kozzarte y était et vous présente sa sélection.

Alina Chaiderov Ark 2018 Burnished copper pipe, bed springs structure, transparent PVC foil, linoleum flooring tiles Site-specific installation; central sculpture cm. 300 x 140 x 30 Unique Courtesy the Artist and Antoine Levi, Paris

Alina Chaiderov

Pour Art | Basel Statements 2018, l’artiste Alina Chaiderov présente Ark, une installation composée d’un tuyau en cuivre bruni de trois mètres de long, délicatement estampé dans une épaisse feuille de plastique transparent enveloppant le squelette d’un sommier métallique à ressorts. Présentée sur des dalles de linoléum vert-de-gris recouvrant la surface de la cabine, les motifs en marbre et les nuances de cuivre oxydé bleuâtre du linoléum imitent une cartographie rocheuse des fonds marins, une métaphore de l’exil de sa Russie vers la Suède en 1990.

Avec cette nouvelle installation, Alina Chaiderov poursuit ses recherches qui ont commencé avec l’installation A New Memory Is Made au Castello di Rivoli en 2016, où les matériaux, l’espace, le temps et la mémoire étaient les éléments composant une « constellations physiques de matériaux ».

Dans Ark, l’artiste transfigure la quotidienneté des objets communs qui trouvent un nouvel équilibre dans l’immobilité de leur composition simple et mystérieuse, assumant l’attrait de significations symboliques, énigmatiques et philosophiques où la relation entre l’espace et le corps se répercute sur les surfaces réfléchissantes. jeu de lumières et d’ombres. Le tuyau de cuivre qui traverse les bords du lit et écrase sa structure trace un autoportrait abstrait de l’artiste allongée sur son lit, essayant de repenser un perpétuel voyage mental flottant sur une mer de cuivre oxydé – évoquant la corrosion du souvenir.
Les capacités de Chaiderov résident dans l’approche psychologique et physique des matériaux, réduits à des archétypes d’eux-mêmes, plongeant dans l’inconscience, éveillant des souvenirs ataviques.

Galerie Antoine Levi

Image courtesy Zeno X Gallery, Antwerp

N. Dash

N. Dash est né en 1980 et travaille au Nouveau Mexique et à New York.

L’artiste rejette une notion linéaire de progrès et maintient avec défiance cet outil comme moyen d’accéder à un état d’investigation pré-lingual. Ces travaux couvrent une sorte de temps géologique humain – le traçage de l’enfance préverbal au présent. Les sculptures elles-mêmes sont photographiées, plutôt qu’exposées, afin de suspendre leurs itérations variées et de désinfecter en même temps leurs restes abjects. Les derniers vestiges ont été photographiés pour la première fois en 2002. Plus récemment, des images ont été sélectionnées à partir des archives de l’artiste, agrandies et sérigraphiées sur des substrats d’adobe, intégrant l’image dans l’ensemble du travail et reliant directement les sculptures à leurs origines.

Les peintures existent de concert avec les sculptures en tissu; ils se décrivent comme faisant partie d’un échange interrelié entre les deux. Les peintures utilisent l’adobe – la saleté – comme leur sol. La Terre est extraite du haut désert du Nouveau-Mexique et expédiée au studio de New York où elle est transformée en un enduit de boue et de terre. Les peintures sont constituées de multiples composants, revêtus de toile et de dépôts de pigment. Les parties individuelles sont disposées différemment les unes des autres, les unes sur, les autres ou les unes sur les autres, indiquant des possibilités itératives, créant un tout et déplaçant la terre du plan existentiel sur lequel nous sommes au registre vertical du mur, le champ de vision.

Zeno X Gallery

© Dana Schutz, courtesy of Two Palms Gallery
Dana Schutz

Dana Schutz, née dans le Michigan en 1976,  est une peintre qui vit et travaille à Brooklyn, New York. Son travail dépeint fréquemment des personnages participant à des activités violentes ou créatives, ou dans des situations impossibles ou contradictoires. Elle a étudié l’art à l’Institut d’art de Cleveland et a reçu sa maîtrise à l’Université de Columbia à New York en 2002. Elle a été remarquée pour la première fois avec Frank from Observation (2002), basée sur le concept de Schutz comme dernier peintre représentant le dernier sujet « Frank ».

Ses oeuvres peuvent être vues notamment dans les collections du Museum of Modern Art, New York; The Solomon R. Guggenheim, New York; Le Whitney Museum of American Art, à New York; Le Musée des Beaux-Arts, Boston; Le musée des arts contemporains, Los Angeles; Musée d’art contemporain Nerman, Kansas; Musée de Tel Aviv; Israël.

Elle est représentée par Petzel, New York et Contemporary Fine Arts, Berlin et produit des tirages en collaboration avec Two Palms, NY depuis 2012.

Loris Gréaud

Loris Gréaud est un artiste conceptuel dont la pratique atypique se développe à travers une série de projets, qui s’engagent constamment à effacer la frontière entre la fiction et la réalité. Ses œuvres et expositions sont les matérialisations ponctuelles et nécessaires de ses projets, composés d’un large éventail de moyens artistiques, tels que la sculpture, la peinture, l’installation, la vidéo ou la performance.

L’approche de Loris Gréaud offre de nouvelles modalités d’apparence des œuvres, ainsi que des moyens d’exposer et de distribuer l’art.

© Loris Gréaud, courtesy Max Hetzler

Réalisé en basalte, Sans titre, 2016 est le résultat d’un laborieux processus d’artisanat, inspiré par la tradition du travail de la pierre. Représentant une draperie rigide qui recouvre ostensiblement une structure de toile, le présent travail cherche à prolonger indéfiniment le moment du dévoilement d’une œuvre d’art et à taquiner la curiosité du spectateur. L’oeuvre fait écho à l’intervention de l’artiste pour la pyramide du musée du Louvre à l’occasion d’une
exposition en 2013-2014: inspiré par un chef-d’œuvre sculptural de Michel-Ange appartenant à la collection du musée collection, Loris Gréaud a conçu une figure drapée qui se tenait sur un piédestal noir, comme dans l’attente d’être inaugurée. En opposition, Sans titre est indéterminé et pourrait être une peinture, une sculpture, ou même un monument symbolique. Il s’agit d’un geste esthétique puissant et une proposition ouverte qui, prospérant dans un royaume de paradoxes, vise à geler l’impulsion du désir, ouvrant un champ de possibilités potentiellement infini.

Max Hetzler

© Serge Hsenböhler
Ursula Palla

L’artiste suisse Ursula Palla est née à Coire et vit et travaille aujourd’hui à Zurich.

Elle travaille avec la vidéo média et l’installation et crée des images spatiales mouvantes de densité poétique dans lesquelles se superposent l’espace réel et l’espace virtuel. Comme un chercheur, elle crée son travail à partir de recherches approfondies. Ainsi, ses œuvres sont accessibles à différents niveaux: au niveau formel et esthétique, la force immédiate de l’image touche, souvent avec une beauté suggestive forte, mais toujours fragile.

Au niveau du contenu, des tonalités parfois critiques, parfois même dérangeantes coulent ou un humour subtil résonne à l’intérieur. Et pourtant rien n’est formulé; l’artiste elle-même parle de la signification d' »espaces vides ».

Ses œuvres ont été exposées à la Hamburger Kunsthalle de Hambourg, à la Kunsthalle Zürich, au Kunstmuseum Bern, au Bündner Kunstmuseum Chur, au ZKM Center Kunst + Medien Karslruhe / D, au Musée d’Art Moderne St.Etienne / F, ainsi que comme au Künstlerhaus Wien / A et au Swiss Institute New York / USA.

Galerie Gisèle Linder

© Lena Henke, Robert Moses Mother Drives Through Wallis, 2018
Lena Henke

Née en Allemagne en 1982, Lena Henke vit et travaille à New York.

Robert Moses Mother Drives through Wallis rappelle la forme distincte du sabot d’un cheval. Henke, qui a grandi dans une ferme équestre, a utilisé à maintes reprises ce motif dans le contexte de son travail sur le transport avant l’automobile et Robert Moses, le controversé «maître d’œuvre» de New York. Moses est remarquable pour ses vues quasi-totalitaires sur le transport en commun et l’urbanisme, qui ont passé au bulldozer des communautés entières pour construire des autoroutes. Retirée de son contexte d’origine, la sculpture évoque aussi une route qui contourne une pittoresque montagne alpine, comme le suggère le titre de la sculpture.

La sculpture, une structure en acier et en fibre de verre convenant à l’installation intérieure et extérieure, est recouverte d’un granulat de caoutchouc souple normalement utilisé sur les sols des terrains de sport ou des terrains de jeux.

Bortolami Gallery

Untitled, 1987 © The Archive of Maria Bartuszová Courtesy The Estate of Maria Bartuszová, Košice and Alison Jacques Gallery, London
Maria Bartuszova

L’artiste tchèque Maria Bartuzsova naît en 1936 à Prague. Elle décède en 1996.

Maria Bartuzsova poursuit des études de céramique à Prague. Figure emblématique de la sculpture en Europe centrale dans la deuxième moitié du XXe siècle, elle crée des formes biomorphes, organiques et quasi-pneumatiques, basées sur l’observation des formes de la nature et des lois de la physique.

Les premières sculptures de Maria Bartuzsova sont réalisées à partir de matériaux comme le plâtre, le bronze et l’aluminium. C’est à partir de 1962 qu’elle utilise des ballons en caoutchouc pour créer les « Cellules ». Ses sculptures incitent le visiteur à les toucher. Elles possèdent à la fois des résonances maternelles et érotiques, tout en s’inscrivant dans une recherche spirituelle. Elles sont reprises au cours de workshops avec des enfants malvoyants à Levoca en 1976 et 1983. À partir de 1979, Bartuszová intègre des éléments naturels à la surface de ses sculptures en plâtre: des branches, des pierres ou du sable.

En 1984 s’opère un tournant qui l’amène vers des formes ovoïdes et fragiles, elle crée les « Volumes négatifs » en 1985 et, l’année suivante, les « OEufs sans fin », encastrés les uns dans les autres. Ces oeuvres d’un blanc pur, fragiles et empreintes d’impermanence, atteignent une dimension métaphysique caractérisant l’aventure sculpturale de Bartuszova.

Alison Jacques Gallery

Bernard Frize

Né en 1954 à Saint-Mandé en France, Bernard Frize vit et travaille entre Paris et Berlin.

Les peintures abstraites de Bernard Frize réfléchissent leurs modes opératoires. Travaillant en séries, il définit d’abord des protocoles précis, dont il explore ensuite toutes les possibilités visuelles. Ces conditions et contraintes préalables concernent généralement l’utilisation d’outils et matériaux non-conventionnels, l’exécution presque mécanique de gestes en apparence simples, et parfois l’assistance simultanée d’autres peintres. Si toutes enregistrent la dynamique particulière d’une technique prédéterminée, ses abstractions vibrantes sont aussi des arènes laissant grande place au jeu du hasard.

En déléguant une partie de la création aux contingences (à commencer par sa palette de couleurs très caractéristique bien qu’aléatoire), il permet à de véritables happenings ou bouleversements picturaux de se produire sur ses toiles. À la fois programmatique et arbitraire, conceptuelle et organique, son esthétique vise un idéal automatique de la peinture.

Okaki, 2018 © Bernard Frize / ADAGP, Paris 2018 Courtesy the artist & Perrotin

Non sans humour d’ailleurs, Bernard Frize décrit ses travaux les plus heureux comme ceux ayant requis une intervention minime de sa part, et donc s’étant réalisés de manière somme toute autonome.

Galerie Perrotin

Ivan Kožarić

Bien qu’il soit principalement connu comme un sculpteur, Ivan Kožarić, né en 1921 en Croatie, a depuis ses débuts artistiques et jusqu’à ces dernières années travaillé de nombreux médiums, créant un important corpus de sculptures permanentes et temporaires, d’installations et d’interventions urbaines, d’assemblages, de proclamations , de photographies et de peintures.

Son travail a récemment été exposé notamment au Musée d’art moderne de Paris (2002), au Pavillon des arts de Zagreb (2005-2006) et à la Haus der Kunst de Munich (2013). Il a participé à d’importantes expositions collectives internationales, telles que la Biennale de Venise (1976), la Biennale de São Paulo (1979) et la documenta 11 (2002). Depuis 2007, le studio d’Ivan Kožarić, de plus de 6.000 œuvres, est exposé en permanence au Musée d’Art Contemporain de Zagreb.

Galerija Gregor Podnar

© Ivan Kozaric, courtesy of Galerija Gregor Podnar
El Anatsui

El Anatsui est né à Anyako au Ghana en 1944. Il vit et travaille à Nsukka au Nigeria. Diplômé du Collège d’Art de l’Université de Science et de Technologie de Kumasi au Ghana (1969), il complète sa formation classique par l’apprentissage des techniques anciennes de la culture ashanti : gravure, céramique, poterie… Dans les années 1970, il rejoint le groupe d’artistes nigérians Nsukka, associé à l’Université du Nigeria. Il a enseigné à l’Université du Nigeria de 1975 à 2011.

Mondialement respecté et reconnu, a fortiori depuis qu’il a reçu le Lion d’Or de la Biennale de Venise en 2015 pour l’intégralité de son œuvre, El Anatsui est connu pour ses sculptures en bois et ses assemblages complexes de matériaux recyclés. À la fin des années 1970, il privilégie l’utilisation des tessons de verre et de débris de céramiques. Deux décennies plus tard, il réalise ses premières pièces de “tissus” à partir de “matériaux pauvres”.

El Anatsui puise son inspiration dans les traditions africaines de recyclage et de détournement d’objets manufacturés usagés. Il a su ériger la récupération en pivot du processus créatif. Ses œuvres interrogent les échanges mondiaux du commerce, la destruction, la transformation des matériaux, symboles des événements traversés par le continent africain.

Jack Shainman Gallery

© El Anatsui. Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York.
Jules Olitski

La Galerie Templon présentait un ensemble de toiles des années 70 par le maître du Color Field Painting Jules Olitski (1922-2007).

Les années 1970 représentent une période d’intense inventivité pour l’artiste. Jules Olitski, qui a mis au point le processus de pulvérisation du pigment sur la toile à l’aide d’un pistolet, y associe désormais de nouvelles techniques : la couleur est étalée au chiffon, au racloir, appliquée au rouleau, structurant la surface. Les œuvres éthérées deviennent de plus en plus matérielles, avec des effets de texture dûs aux traces des outils ou à la peinture même, que les nouvelles versions acryliques rendent tour à tour mat ou luisante, élastique ou adhérente. Ombre et lumière jouent sur les incidents de la surface monochrome.

Né en 1922 en Russie soviétique, Jules Olitski a émigré aux Etats Unis dès son plus jeune âge et étudié à la New York University. Il est une des figures essentielles du Color Field Painting défendu par le critique américain Clement Greenberg, dont Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still sont parmi les pionniers. Jules Olitski, Kenneth Noland, Morris Louis constituent la seconde génération, resserrée autour d’une « peinture auto-critique », centrée sur ses attributs propres (Ann Hindry).

© Photo B.Huet/Tutti. Courtesy Templon, Paris & Brussels

Jules Olitksi a représenté les Etats –Unis à la Biennale de Venise en 1966, et a été le premier artiste vivant à exposer au Metropolitan Museum en 1969. Peu connue en France malgré trois expositions à la Galerie Templon dès les années 80, l’œuvre de l’artiste a été montrée dans les grandes institutions : San Francisco Museum of Art, 1967, Whitney Museum of American Art, 1971, Portland Museum of Art, 1998, Smithsonian American Art Museum, 2008. Elle est représentée dans les principales collections muséales comme celle du Museum of Modern Art et du Met Museum (New York), de la National Gallery of Art, (Washington), de la Tate Moderne (Londres).

Galerie Templon

John Baldessari

John Baldessari est né en 1931 à National City en Californie. Il vit et travaille actuellement à Santa Monica, en Californie.

Ses récentes expositions personnelles ont eu lieu au Städel Museum de Francfort en Allemagne (2015), au Garage Centre for Contemporary Culture de Moscou en Russie (2013) et au Stedelijk Van Abbemuseum aux Pays-Bas (2012). Le travail de Baldessari a fait l’objet de la grande rétrospective, Pure Beauty, qui a retracé sa carrière de 1962 à 2010. Organisée par Tate Modern, Londres, l’exposition s’est rendue au MACBA de Barcelone; LACMA, Los Angeles, et le Metropolitan Museum of Art, New York de 2010-2011. Son travail a été inclus dans la 47ème Biennale de Venise (1997) et la 53ème Biennale de Venise (2009) où il a reçu le Prix du Lion d’Or pour Lifetime Achievement, Carnegie International (1985-86), Whitney Biennial (1983), ainsi que Documenta V (1972) et VII (1982).

John Baldessari a été le récipiendaire de nombreux prix prestigieux, y compris le prix de la médaille de l’École des beaux-arts de Boston en 2015 et le prix Kaiserring de la ville de Goslar en Allemagne en 2012.

Marian Goodman Gallery

John Baldessari, Commissioned Painting: A Painting by Anita Storck, 1969 Acrylic and oil on canvas 59-1/4 x 45-1/2 in. / 150.5 x 115.5 cm Courtesy of the artist and Marian Goodman Gallery
© Sebastiano Pellion, courtesy from the artist and Galería Elba Benítez, Madrid
Miriam Backstrom

Miriam Backstrom est née en 1967 à Stockholm en Suède, où elle vit et travaille.

Sa nouvelle série New Enter Image,  sur laquelle l’artiste travaille depuis 2016, a ouvert une nouvelle voie à Bäckström en termes de médias, mais c’est en fait une continuation de la recherche fondamentale qui l’anime: une enquête sur qu’est-ce qui constitue une image. Les abstractions de New Enter Image produisent un objet visuel particulièrement intense, dans lequel le mouvement physique et l’orientation du spectateur peuvent induire un sentiment d’être submergé, ou provoquer une sorte de désintégration visuelle. Mais plutôt que de se décomposer en atomes ou en pixels abstraits, ce qui est révélé est la nature essentielle de la tapisserie comme tissu, un pont entre cognition et reconnaissance: comme Bäckström elle-même l’a commenté où la résolution de l’image photographique se termine, les fils du textile continuent, entraînant le spectateur plus loin dans l’image.

De plus, ce phénomène perceptif se combine avec l’échelle des œuvres – dont certaines mesurent jusqu’à sept mètres de longueur – pour intensifier l’expérience immersive: le spectateur pénètre l’image visuellement et perceptivement, alors même que l’image enveloppe physiquement le spectateur. Et en même temps, le caractère tissé des objets offre et même invoque une «lecture» métaphorique de l’œuvre comme métaphore de la trame et de la chaîne de l’existence, tapisserie de la vie des relations, des histoires, des expériences et des destins. Pris ensemble, l’expérience polyvalente des tapisseries dans New Enter Image conduit finalement les spectateurs à se reconnaître comme les véritables «personnages dans le tapis» – ce qu’ils ont, bien sûr, toujours été.

Galeria Elba Benitez

Eielson, Quipus 24B2, Courtesy Alexandre Carel, London
Jorge Eduardo Eielson

Jorge Eduardo Eielson (Lima, 1924 – Milan, 2006) est un artiste péruvien.

Récemment inclus dans la grande rétrospective de l’artiste au Museo de Arte de Lima (Novembre 2017 – Mars 2018), Quipus 24 B 2 est un exemple précoce du travail le plus important et caractéristique de Jorge Eielson. La série Quipus, qui fut sa principale préoccupation de 1963 jusqu’à sa mort, a été nommée d’après les nœuds précolombiens utilisés dans les administrations Inca et Quechua pour enregistrer des données en l’absence d’un système écrit – une pratique qui a presque disparu depuis l’invasion espagnole, mais qui conserve une forte valeur symbolique dans les Andes. En tant que poète et écrivain, ainsi qu’artiste visuel, Eielson a adopté cette méthode utilisée dans les civilisations primitives d’écriture pour exprimer ce que le langage écrit ne pouvait pas saisir.

Les Quipus d’Eielson ont été exposés pour la première fois à la Biennale de Venise en 1964 où ils ont été acclamés par la critique. Alfred Barr du Museum of Modern Art de New York et Nelson Rockefeller ont acheté une œuvre de la série à la Biennale, qui est toujours dans la collection du Musée et a été présentée dans plusieurs expositions du MoMA depuis 1964. Cela a lancé la carrière internationale d’Eielson et lui permettra d’exposer à travers l’Europe et les États-Unis dans les décennies suivantes et de participer à trois autres Biennales de Venise de son vivant (1966, 1972 et 1988).

Galerie Natalie Seroussi

Yann Gerstberger

Yann Gerstberger est un artiste français habitant à Mexico depuis 2012.

Depuis lors, Gerstberger a produit une série de tapisseries en textile, développant des récits inspiré par des modèles provenant de la culture populaire mexicaine, l’histoire d’art et la nature.

Ces travaux sont produits avec une technique originale conçue par l’artiste : il colle des fibres de coton (des balais, à l’origine) sur le vinyle pour former les surfaces colorées, mélangées au tissu industriel, de préférence modelé ou texturisé qu’il trouve sur les marchés de la ville. Les fibres de coton sont teintes à la main, utilisant un mélange des colorants mexicains naturels tels que la cochenille, et industriels, comme le Citocol un colorant très basique trouvé dans le supermarché. Suggérant l’art comme suite possible du projet imagé moderniste (il cite Picabia, Matisse et Henri Rousseau dans ses inspirations), Yann Gerstberger construit, au travers de ses tapisseries/peintures, un vocabulaire vernaculaire qui fait référence au Fábulas Pánicas de Jodorowsky, la fantaisie du tropical vu de l’Europe, le post-graffiti et l’histoire de l’abstraction et son répertoire de formes ambiguës et mystiques.

Galeria OMR

© Yann Gerstberger, courtesy of Galeria OMR
Alberto Burri

Alberto Burri a commencé sa série Combustioni au début des années 1950, en brûlant alors du papier et du bois puis ensuite des feuilles de plastique blanc vers 1956.

Les Combustioni plastiche étaient fabriqués en appliquant stratégiquement un chalumeau à des feuilles de plastique industriel, un matériau nouvellement disponible dans l’Italie d’après-guerre. Burri choisissait les matériaux de tous les jours et les processus élémentaires, et avec le feu comme un «pinceau» faisait plisser le plastique et le décolorait en compositions soigneusement calibrées.

Pour Combustione plastica, Burri a collé le plastique blanc brûlé sur un substrat de toile noire; il a également appliqué de la peinture noire sur des parties du plastique blanc, pour confondre délibérément le premier plan et le fond,  dans un effet dramatique.

Luxembourg & Dayan

Combustione Plastica © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome
Pieter Schoolwerth

Né à St Louis (Missouri) en 1970, diplômé du California Institute of Art (Los Angeles), Pieter Schoolwerth vit et travaille à New York, où il expose régulièrement depuis 1994. L’artiste a participé à de nombreuses expositions de groupe dont Pop Surrealism au Aldrich Museum of Contemporary Art à Ridgefield dans le Connecticut, en 1998;  Festival Polyphonix, au Centre Pompidou, à Paris en 2002;  Drawing Out of the Void au Vestry Arts à New York, en 2004;  Tomorrow Land: CalArts in Moving Picture, au MOMA  à New York, en  2006, ou Leave No Trace à l’ISCP, à New York, en 2009.

Fondées sur des peintures européennes du XVIe au XIXe siècle, ses œuvres sont des compositions complexes combinant des éléments picturaux dessinés, imprimés et peints. Grâce à son processus unique, Schoolwerth trace et chevauche les contours des figures à partir de tableaux narratifs prémodernes (dérivés d’illustrations numérisées ou d’impressions numériques) pour créer des permutations d’un temps hybride unique. Sa méthode reflète le processus déstabilisé de la construction de l’identité à une époque caractérisée par des relations sociales de plus en plus abstraites.

Personality Inventory #2, 2018 oil, acrylic, and giclée print on canvas 78 x 67 inches (198.1 x 170.2 cm) Photo credit: Stephen Faught

Schoolwerth littéralise la formation, la superposition et l’aliénation du corps contemporain à travers la manipulation de multiples médias et couches de contenu matériel. Le sous-produit chimérique est une figure vidée, fragmentée et sans sujet en formation – un mémorial en quelque sorte au corps de chair et de sang en mouvement.

Dans In Model as Painting, Pieter Schoolwerth tente de renverser la fracture techno-culturelle entre la substance des choses et leur double virtuel en produisant une série de peintures «en dernier ressort», dans lesquelles la peinture elle-même réapparaît à la toute fin d’un processus complexe et multimédia pour produire une image figurative. En tant que tel, la peinture ici n’est pas immédiatement utilisée pour construire une image à partir de la base, un coup de pinceau à la fois, mais est introduit uniquement pour marquer et compléter le tableau après qu’il a été entièrement formé par d’autres technologies de l’image – comme la photographie, le dessin, le sourcing d’images sur Internet, la modélisation 3D et les logiciels de traitement d’images – et enfin la sortie sur toile. En d’autres termes, on peut affirmer sans risque que la peinture sans peinture s’est transformée en peinture avec la peinture en dernière instance – la peinture ayant pour la première fois été libérée de ses fonctions traditionnelles de représentation et d’expression, devenant ainsi véritablement égale à elle-même, existe en tant que pur excès, ou ornement.

Miguel Abreu Gallery

Fouad Elkoury Opera House, Beirut 1994 Ink jet print on Baryta paper 62.5 x 50 cm Image courtesy of the artist and The Third Line
Fouad Elkoury

Né en 1952, Fouad Elkoury vit et travaille à Paris.

Après avoir obtenu un diplôme en architecture à Londres en 1979, Elkoury se tourne vers la photographie et produit un reportage sur la vie quotidienne au Liban. Il couvre l’invasion israélienne de Beyrouth en 1982, et ses images sont publiées dans Libération ainsi que de nombreuses autres publications. En 1983, il rejoint l’agence Sygma qu’il quitte un an plus tard. Dès lors, il partage son temps entre Paris et Beyrouth.

En 1984, il publie Beyrouth Aller – Retour, un livre sur la vie d ‘une ville déchirée par la guerre. En 1997, il crée l’Arab Image Foundation basée à Beyrouth.

Sa série On Love and War documentant l’invasion du Liban par Israël en août 2006 a été dans le premier pavillon national du Liban à la Biennale de Venise en 2007.

The Third Line Gallery